Todos mis proyectos están relacionados de alguna manera con aspectos de las relaciones humanas: nuestros errores, nuestras dudas y deseos, así como las percepciones que cada uno tiene de su propia realidad. Mi trabajo explora la naturaleza de nuestras relaciones psicológicas con los objetos, buscando el espacio potencial entre la realidad y el modelo ideal que aspiramos alcanzar.
Así, analizo y cuestiono el sentido y significado de las acciones que emprendemos, construcción y destrucción. Me interesan los intentos individuales repetidos, que a veces conducen al fracaso. Impulsado por acciones bien intencionadas, aspiraciones utópicas o cegado por su ego, el individuo revela su verdadera naturaleza. La impresión de impotencia que generan tales situaciones y los propios individuos no hace más que poner de relieve la naturaleza frágil y entrañable del ser humano.
Mi investigación toma forma a través de diferentes soportes, materiales y soportes como madera, vidrio, grapas o dibujos. Mi inspiración e influencias provienen de la vida cotidiana y más concretamente de los objetos cotidianos que condicionan nuestra vida. Mi análisis/investigación también se centra en el uso de estos objetos y las reacciones, comportamientos que crean, incluyendo las relaciones afectivas que podemos tener con ellos.
Considero mi obra artística como un transportador de encuentros, una oportunidad para vincular sectores y áreas que habitualmente se ignoran (ej: las culturas llamadas "nobles" y "populares"). Creo que es también una forma de examinar la posición y la función de lo que definimos como arte contemporáneo.
El enfoque paradójico de Baptiste Debombourg es construir a partir del caos. La violencia no es lo que interesa al artista, sino "lo que viene después, lo que está ligado al ser humano, capaz tanto de lo peor como de lo mejor". El primer gesto de Baptiste Debombourg consiste a menudo en destruir envases, muebles o cristales laminados. Sellar y luego crear objetos o ambientes inusuales a partir de estos elementos desechados es la parte central de su práctica como escultor.
Desgarrado y desmantelado, el medio, al que el artista concede poca importancia, se recrea y embellece a través de obras radicales y visualmente poderosas que reinterpretan nuestra vida cotidiana con ironía, distancia y, a veces, violencia. Las obras escultóricas examinan la memoria de los lugares, modifican nuestra percepción del espacio y nuestras convenciones errantes, demostrando el efecto omnipresente del entorno en nuestro comportamiento y la narrativa resultante. Su arte se reconcilia en una pluralidad de gestos, personalizados y excesivos, efímeros e inmutables, triviales y sublimes.
(extracto) Cécile Godefroy, doctora en historia del arte, crítica de arte y consultora científica de Arte Créative.
En su obra predominantemente escultórica, Baptiste Debombourg combina información y materiales en experimentos que revelan historias reprimidas, tácitas o ignoradas. Artista "restaurador" dispuesto, repara paredes, muebles y objetos exponiendo al mismo tiempo sus marcas. Su obra se afirma principalmente por su monumentalidad, pero es paradójica, precaria y frágil. Un monumento, como en estado de convalecencia, que rinde homenaje a la destrucción, a la reparación incompleta, incluso a la resiliencia más que al poder. Este juego de reconstrucción móvil, más allá de su aspecto irónico, se alimenta de una reflexión sobre el tiempo, la historia, la memoria y los sueños.
(extracto) Guillaume Désanges, crítico de arte, comisario de exposición, nuevo presidente del Palacio de Tokio en París.
Baptiste Debombourg parece un "sociólogo del presente" porque investiga el impacto de nuestro entorno directo en la evolución de nuestros cuerpos y en la actualidad, ya que las piezas que presenta pertenecen a la vida contemporánea: a encuentros en las laderas de las montañas. caminos, a los muebles familiares, a los hallazgos funestos de la vida cotidiana (...) la cultura debe ser un proceso histórico de construcción y liberación del yo. Sus obras siempre tienen una doble identidad: el encanto de la primera mirada y el subtexto, o más bien la submateria, ambos producidos por la persistencia de la percepción. Los hombres van y vienen mientras perdura la voluntad de guerra.
(extracto) Goënièvre Anaïs, escritora, crítica de arte.
Entrevista con Kim Kieun (김기은)
Director ejecutivo de Maps Magazine
Publicada en el sitio oficial del artista
K.K: Tu trabajo me dio la impresión de que eres mucho mayor, ya que pude sentir mucha tensión y experiencia en la forma en que tratas las superficies. ¿Cómo puedes comentar sobre esto?
B.D: Está en mi naturaleza invertir mucho de mí, impulsado por el resultado que pretendo alcanzar. Básicamente trabajo todo el tiempo, así que imagino que la experiencia se acumuló. Me gusta experimentar, reinventar cosas, encontrar nuevos retos para superar... la investigación lleva mucho tiempo, junto con las pruebas o la experimentación... todo te hace descubrir cosas que no esperabas descubrirlo. Disfruto explorando lo que me inspira y nunca cuento el tiempo que invierto en ello.
Tenía una amplia experiencia con el vidrio, principalmente por la complejidad de su estructura, su capacidad de existir en diferentes formas, su interacción con la luz, su transparencia. Todavía estoy trabajando para ampliar el potencial de este material.
Me inspiro en el arte Total, como Merzbaum de Kurt Schwitters, o Yayoi Kusama con sus instalaciones psicodélicas. La arquitectura es también otro canal del que me inspiro; el Museo Kolumba de Colonia en Alemania concebida por Peter Zumthor o la capilla de la Iglesia Ibaraki Kasugaoka de Tadao Ando en Japón son sólo dos ejemplos. Lo que tiene sentido para mí como artista es el momento en el que realmente puedes sentir algo muy especial del arte, algo verdadero; y en ese momento, todos tus sentidos se activan, por lo que estás inmerso en una dimensión del arte total.
K.K: ¿Cómo se convirtió el vidrio en el leitmotiv de su creación?
B.D: Estaba analizando el vidrio de seguridad en nuestra vida cotidiana y cómo se comportaba en caso de accidente. Al mismo tiempo, observé las reacciones de la gente hacia el gobierno: la destrucción de objetos urbanos, de muebles o de vidrio. La dualidad del vidrio me ha fascinado; es hermoso y peligroso al mismo tiempo. Los "actos de protesta" me hicieron pensar en formas de traducir lo que estaba viendo. Me llevó a descubrir el vidrio laminado, que es un material muy interesante porque conserva el impacto, el "gesto" de destrucción. El vaso se convierte en testigo de una acción, de un impacto. Mantiene la memoria de la acción a través de su materialidad, convirtiéndose en un espejo de nosotros, los humanos. A través de mi investigación, me acerqué a la historia del vidrio y tomé conciencia de cuán específico es este material para nuestros tiempos. El vidrio laminado fue inventado por Édouard Bénédictus a principios del siglo XX (Triplex) y más tarde se convirtió en la norma en arquitectura. Después del atentado terrorista en Oklahoma City en 1995, el gobierno estadounidense decidió extender este tipo de vidrio a toda la arquitectura pública, porque el vidrio mató a muchas más personas que la destrucción real del edificio. Creo que el vidrio es una buena representación de nuestra existencia contemporánea.
K.K: En algunas de tus obras puedo percibir el espacio entre el vidrio y la superficie utilizada como base, como atrapado en un juego entre imaginación y realidad, como si allí se estuviera formando un tsunami. ¿Inviertes el espacio oculto de tus instalaciones con alguna idea?
B.D: Normalmente parto de un hecho real, de un contexto, pensando en las personas que habitan un territorio concreto, entendiendo la historia de un lugar. Defino mi forma de trabajar diciendo que soy un artista contextual. Me gusta interactuar con la vida cotidiana, la arquitectura, el diseño, la historia. Busco las conexiones entre el espacio y las personas, explorando la forma en que las personas usan el espacio, sintiendo la vida que le dan. Luego de ser consciente de estas observaciones, trato de articular y organizar todos los elementos, determinando lo que puedo ver y lo que percibo de esta realidad. Dentro de este marco mental, la idea, el sueño, la imaginación se convierten en el tema principal del proyecto artístico. Intento convertir estas emociones en realidad a través de mis instalaciones, básicamente tratando de hacer que el "sueño se haga realidad". El tiempo y el espacio son muy importantes en mis instalaciones, por eso respeto verdaderamente la identidad del espacio donde trabajo; no me gusta imponer algo, es más bien un diálogo con el espacio. Por eso en la mayoría de los casos, excepto los encargos públicos, mis instalaciones son efímeras y desaparecen al final de la muestra. Me gusta la idea del arte efímero, porque puedes hacer muchas preguntas y provocar reacciones, pero también respetar la independencia del espacio. Me fascina la idea del cambio, cómo el arte aparece y desaparece en un espacio, y el espacio vuelve a quedar libre para algún nuevo proyecto. Jean Blaise es un curador francés que desarrolló esta idea con el festival 'Voyage à Nantes' (Nantes, ¡haz el viaje!) y es increíble tener arte en la ciudad durante muchos meses, muchas esculturas e instalaciones que cambian totalmente la vida. de los habitantes de Nantes cada año. Es precisamente en este contexto que creé 'Stellar'. Creo que necesitamos estimular y desarrollar nuestra capacidad de imaginar. Es una necesidad humana fundamental, pero también un punto de partida; Creo en el poder de la idea, y el espacio "vacío" dentro de la obra es crucial para ello.
K.K: En tu discurso artístico, mencionas a menudo la violencia y el impacto paradójico entre el exterior y el interior como dos conceptos principales que abordas. ¿Cómo sitúa su obra en el contexto de las diversas formas de violencia que vivimos ahora?
B.D: La realidad es violenta, no el arte. Si miramos a los refugiados, la crisis migratoria en la UE, la injusticia real entre mujeres y hombres, el racismo, la pobreza... la lista es larga, lamentablemente. Mi trabajo expresa fuertemente los problemas y deseos de nuestra vida cotidiana. Mi deseo es compartir experiencias y utilizar mi trabajo para concienciar a la gente.
K.K: Trabajas con tus propias manos para realizar complejas instalaciones de vidrio, aunque muchos artistas contemporáneos prefieren exteriorizar la producción artística. ¿Cómo comentarías los sintagmas "artista como productor" y "artista como creador"?
B.D: Creo que es importante trabajar en el contexto de nuestro tiempo y, a veces, tengo muchos asistentes, 7 u 8. Siempre me aseguro de trabajar con las mejores personas (normalmente también artistas) y me preocupo por cada uno de ellos. detalle. Es simplemente una organización diferente: hay que estar atento todo el tiempo y ser autocrítico para poder progresar constantemente. El verdadero problema, desde mi punto de vista, es la difícil relación entre los artistas y el mercado del arte, que lleva a muchos artistas en la dirección equivocada. Empezaron a ser totalmente corrompidos por el sistema comercial y terminan haciendo obras sin valor, y ese es el caso en el que dejan de hacer arte. Por otro lado, vivimos en un sistema y hay que lidiar con él para sobrevivir. Sin embargo, el tiempo siempre filtra la calidad de la basura, pero si quieres seguir siendo libre, no tienes que preocuparte demasiado y simplemente haz lo tuyo.
K.K: También trabajaste con marcas de moda como Masion Martin Margiela y Nouvelle Affaire. ¿Cómo abordaste estos proyectos en particular?
B.D: Bueno, fueron colaboraciones realmente emocionantes: dos espíritus diferentes, pero la misma pasión. Pascal Humbert de Nouvelle Affaire y Maison Martin Margiela se acercaron a mí con distintos proyectos. Para Margiela me invitaron a proponer una instalación para la tienda de Miami en el marco de Art Basel Miami, y decidí 'destrozar' la tienda, como si allí hubiera ocurrido algún tipo de accidente, pero escrupulosamente conectado con los detalles de la moda. objetos y la ropa. Me encantan los primeros trabajos de Martin Margiela, admiro su forma de ser tan minimalista y radical. Con Pascal Humbert fue más bien una escenografía, incluido el diseño de las luces para el Festival de Hyères en la Villa Noailles en 2014. Fue muy emocionante y me abrió la mente. Estábamos pasando nuestros días en la maravillosa Villa Noailles para preparar el espectáculo Nouvelle Affaire. Guardo muy buenos recuerdos de ello. Lo que aprendí de esa experiencia es no hacer concesiones y desafiar el mundo del consumismo.
Actualmente estoy trabajando en una escenografía para una actuación musical con el curador Stéphane Ghislain Roussel que tendrá lugar en Mudam Luxemburgo en 2019. Me gustan los nuevos desafíos, son indispensables para mantenerte consciente de quién eres.
K.K: Hoy en día hay mucha preocupación por la facilidad de creación, es casi como si nos inundaran de creatividad. ¿Qué opinas sobre este aspecto crítico de la producción artística?
B.D: Sí, pero ¿cuándo creamos realmente? Es un muy buen punto que hoy en día la gente desarrolla su potencial de creatividad. También soy profesora de arte en la escuela de Arquitectura (ENSAPLV) y aliento y estimulo a mis alumnos a desarrollar su potencial. Necesitamos gente creativa; Por supuesto, no todo es arte, pero, como mencioné antes, si más personas tuvieran la oportunidad de expresarse, podríamos solucionar muchos de los problemas que surgen en nuestro mundo. Prefiero gente feliz que gente frustrada... no debemos olvidar lo que dijo Robert FIliou: el arte es lo que hace la vida más interesante que el arte...
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Acceleration field, 2015. Instalación contextual de vidrio laminado realizada en el "Patio"* de la Maison Rouge - Fundación Antoine de Galbert en París. Se trata de la instalación de vidrio más compleja y de mayor tamaño jamás realizada en exteriores hasta la fecha.
(R)evolve, 2017. La tercera sala de la exposición "Tensioni Struturrali III" contará con la participación de Baptiste Debombourg, interesado en temas como el comportamiento humano, la pérdida de control, las acciones de construcción y demolición, las paradojas y las vulnerabilidades, y presentará una obra realizada. utilizando madera lacada y vidrio laminado roto, cuya formalización remite al simbolismo, la velocidad, el movimiento centrífugo y la tensión de la forma elíptica. En particular, el artista recuerda la ruptura que representaba la elipsis: una nueva forma, inspirada y conectada a la teoría heliocéntrica, al descubrimiento de Copérnico sobre la posición de los planetas en el universo y su movimiento alrededor del sol, y en contraste con la representación circular ligada al sistema geocéntrico.
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