Nacido en Seúl en 1962, Suh obtuvo su licenciatura y maestría en pintura oriental en la Universidad Nacional de Seúl antes de mudarse a los Estados Unidos, donde continuó sus estudios en la Escuela de Diseño de Rhode Island y la Universidad de Yale. Suh es quizás mejor conocido por crear esculturas coloridas y translúcidas que reimaginan los hogares de su infancia en Seúl y su adolescencia en los Estados Unidos. En un comunicado emitido por el premio, Suh fue seleccionado por su capacidad para "capturar no sólo el mundo real sino también el mundo imaginario, que abarca el pasado y el presente así como Oriente y Occidente [a través de] los esfuerzos del artista por expresar sus experiencias al atravesar diferentes culturas, elevando así el estatus del arte coreano".
Como coreano que vive en el extranjero, Suh describe su sentimiento de "desplazamiento cultural" cuando llegó por primera vez a los Estados Unidos como estudiante. Estos sentimientos se convirtieron en el trampolín de su serie Home, que comprende algunas de sus obras más codiciadas en la actualidad. Los "llamados espacios de transición", como escaleras y puertas, representan el espacio físico que separa a Estados Unidos y Corea, así como el espacio que todos creamos dentro de diferentes culturas.
Interesado en la maleabilidad del espacio tanto en sus manifestaciones físicas como metafóricas, Do Ho Suh construye instalaciones específicas para lugares que cuestionan los límites de la identidad.
A través de instalaciones textiles a gran escala, Suh recrea espacios domésticos específicos informados por sus experiencias. Estos espacios pueden ser reproducciones de la casa de su infancia, o una casa coreana tradicional de estilo hanok; una casa en Rhode Island, donde vivió cuando era estudiante; y su apartamento en la ciudad de Nueva York.
Onírico y cautivador, el trabajo de Suh encapsula meticulosamente la memoria al replicar interiores que abordan algunos de nuestros sentimientos más vulnerables. Las obras de Do Ho Suh se encuentran en varias colecciones de prestigio mundial, como: el Museo Guggenheim, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney, LACMA y la Tate de Londres.
Cada vez que muestro mi trabajo en un espacio diferente sé que la pieza contendrá de alguna manera el recuerdo o la experiencia de ese espacio en particular. Ese rastro de movimiento de un espacio a otro siempre ha estado en mi mente desde el inicio del proyecto. Es difícil verlo de manera obvia, ya que el cambio físico puede ser sutil.
Mis piezas de tela son muy efímeras. La gente del museo probablemente odie escuchar esto, pero el color de la tela se desvanece una vez que ha estado expuesta durante varios meses en el contexto del museo. El simple desgaste y el envejecimiento se acumulan cuanto más se muestra el trabajo y más viaja el trabajo a diferentes lugares. Eso es lo que sucede con la pieza física.
Para mí así es como recuerdo el espacio; es la memoria asociada a ese espacio particular y esa pieza particular. Estos elementos intangibles se convierten en capas visibles que mis piezas empiezan a poseer. Es una experiencia muy compleja. En cierto modo, la pieza en sí misma es un catalizador. Llevas tu trabajo para mostrarlo en algún lugar, pero, irónicamente, el producto final tiene menos que ver con la pieza que se muestra que con el proceso de organización, el viaje y la comunicación que implicó producir y colocar la pieza. Cada proceso particular de mostrar la obra se suma a la pieza.
Nota editorial de El Rizo Robado con fuentes de:
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