Kawita Vatanajyankur nació en Bangkok, Tailandia, en 1987. Se mudó a Australia en su adolescencia y posteriormente se graduó de la Universidad RMIT en Melbourne con una Licenciatura en Bellas Artes. Fue finalista del Premio Jaguar Asia Pacífico de Arte Tecnológico, participó en la exposición Thailand Eye en la Galería Saatchi de Londres y presentó su trabajo en Venecia, en el marco de la 57.ª Bienal de Venecia (2017). Es conocida internacionalmente por sus audaces videos de performance de larga duración que exploran el consumismo y el trabajo doméstico.
Al mudarse a Australia, le costó adaptarse, no hablaba el idioma y, según cuenta, le resultó difícil desprenderse del ideal tailandés de una mujer silenciosa y recatada como debe ser la mujer perfecta. Cuando regresó a Tailandia en 2011, tras graduarse en el Instituto Real de Tecnología de Melbourne, ya no era recatada ni se ajustaba a los mismos ideales sociales de su país natal. En cierto modo, había pasado de ser una extraña en el extranjero a serlo en su propio país. «Me siento como una extraña en ambos mundos».
En otras de sus piezas Vatanajyankur imita los movimientos repetitivos e implacables de objetos domésticos o herramientas de mercado —balanzas para frutas, un telar, una rueca. En sus performances y videos, Kawita ha sido una aspiradora, un cepillo de baño, una lanzadera voladora en un telar, una hoz y una pala. Sus proyectos más recientes exploran el papel de los humanos y su trabajo en un mundo que estará (si no lo está ya) dominado por la IA, incorporando el audio a sus impactantes imágenes.
"Creo que hay algo mágico en el lenguaje visual. Es algo muy universal. Cuando lo ves por primera vez, puede que no pienses en el mensaje todavía, pero se te queda grabado. Sigues analizando lo que viste. Creo que ahí reside el poder del arte. No tiene por qué tener un mensaje directo, pero lo tiene. Es el diálogo entre el arte, tu experiencia y tu memoria. Y creo que, a través de ese proceso, algo cambia en tu interior. Piensas, reflexionas profundamente sobre ello. Entonces te das cuenta: 'Ah, sí, en realidad, esto podría significar aquello'. Creo que es un proceso mental muy lento, pero a través del cambio individual, aunque sea pequeño, creo que importa. Creo que eso es el arte para mí".
Sus obras incorporan su propio cuerpo en las instalaciones. Exponiéndose a posiciones aparentemente vulnerables frente al público. Kawita sostiene que durante las presentaciones ella no es ella misma, su intención es representar al ser humano mecanizado, actuando como máquinas o herramientas en posiciones arduas para evidenciar la explotación humana, donde los trabajadores son vistos y tratados como máquinas. El sus performances y acciones basadas en el tiempo, hay una guía hacia un estado meditativo mediante confrontaciones repetitivas hasta que el cuerpo se separa por completo de la mente.
Cuando el cuerpo se ve presionado a actuar de forma rutinaria, la mente se centra únicamente en el presente hasta que las emociones y los sentimientos asociados desaparecen por completo. En otras palabras, mis performances son una práctica meditativa para vaciar la mente. Como resultado, el cuerpo se convierte en una envoltura, una cubierta de la nada. Al separar mi ser corpóreo de la mente, el cuerpo se transforma en un objeto inanimado o una escultura.
La pieza Mental Machine: Labour in the Self Economy se presentó en julio de 2022 en la Galería de Arte de Australia Occidental (AGWA). Durante los 45 minutos que duró la performance, el público observó a Kawita enhebrar un hilo a lo largo de una constelación de postes verticales a la altura de la cintura, colocados en el escenario, con hilo rojo atado alrededor de sus rodillas y enrollado alrededor de su cuello. Limitada por el propio hilo, Kawita se deslizaba y se retorcía en el suelo hacia cada poste y lo manipulaba con los dedos de los pies para desengancharlo o engancharlo antes de impulsarse hacia el siguiente poste. Su arduo recorrido por el escenario era, de alguna manera, igualmente repetitivo y entrópico.
El recorrido de Kawita por el escenario fue en gran medida espontáneo, y cada movimiento respondía directamente al flujo entre sus intentos de entrelazar y desenredar su anhelo de libertad. Estos alter egos cibernéticos alternaban entre discusiones sobre libertad, opresión, conciencia, libre albedrío y capitalismo, cada uno manteniendo su postura sin llegar jamás a un consenso. Juntos ofrecían destellos de perspicacia y análisis, pero la conversación nunca avanzaba ni alcanzaba un acuerdo. Su diálogo imitaba una conversación orgánica, pero no lograba abordar los puntos clave ni los giros habituales.
En la videoinstalación The Machine Ghost in the Human Shell (2024), traza con una tiza círculos en el piso mientras su cuerpo está conectado a cables eléctricos, sus movimientos sólo se ven interrumpidos por las continuas descargas eléctricas. El dolor se refleja en su rostro cuando sus músculos se tensan involuntariamente como resultado de la «estimulación muscular eléctrica mediante inteligencia artificial».
Aunque su trayectoria hasta la fecha es relativamente corta dada su juventud, el trabajo de Vatanajyankur ha abordado las industrias agrícola, pesquera, textil y del trabajo doméstico, todas con una crítica centrada en su mecanización e industrialización, y cómo esto ha ocultado los cuerpos de las mujeres (en su mayoría) que son las que realizan el trabajo.
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Fotografías recuperadas del sitio de la artista:
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